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Polaroyd*

POLAROYD*

1. ¿Cómo surgió la idea de llevar adelante Polaroyd*? Polaroyd* surge en principio de manera simple, a partir del azar, y por coincidencias que se fueron dando durante el proceso, las cuales contribuyeron a que éste fuera algo más complejo y diferente a lo que por primera vez surgió en una sala de ensayo. Quizás una de las coincidencias más importantes que ambos compartimos tanto en nuestras vidas como en los proyectos personales es la idea de lo lúdico como parte de un proceso. Tener una idea, asumirla como proyecto y seguir de manera constante con ella, enriqueciéndola a lo largo del tiempo, es básicamente un juego, complejo, muy distante a un juego de niños, pero en su esencia lo es. Y esto nos pasó al querer unir música con imágenes. Polaroyd* es la entrada a un teatro de sombras, a una realidad que sólo existe de noche. Por eso, la premisa que se daba a la persona que adquiría el disco era que sólo la abriera y escuchara antes de dormir para que el ciclo del proceso se completara, pues todo nuestro acto creativo es nocturno y porque creemos que es durante la noche, en ese silencio individual, que las imágenes que nacen de nuestra música pueden salir de sus escondites. Juntarnos para hacer música es un proyecto que quizá dista de lo que comercialmente se hace. Desde un principio supimos que no tendríamos como necesidad inmediata la idea de una presentación en vivo. Hacer música necesariamente no termina en la producción de un concierto. Por otro lado, nuestra música no es colectiva, no funcionaria en un gran número de personas, se estaría alejando de lo frágil e intimista que proponemos. Esto mismo determina el hecho de que el arte de los discos sea fabricado a mano, numerado y entregado directamente a la persona.

2. ¿Cómo aparecieron Icaboh e Issey Satori en las vidas de Róger y Ángela? Bajo la misma idea: el juego. Imagino a Alicia cruzando el espejo, es ella pero tampoco lo es. Un reflejo se parece a uno pero necesariamente no tiene la misma personalidad. Nos gusta la idea de ser otros en esa nueva realidad creada. Creo que uno siempre fantasea con la idea de ser otra persona, de construirse una imagen idealizada de uno mismo, y es desde ese momento en que uno entra en contacto con la ficción, lo mismo que sucede cuando uno realiza una obra de arte. Icaboh Satori es un fantasma que no tiene sentido del tiempo pues se la pasa saltando entre páginas de libros e ilustraciones, esperando a que llegue el invierno par poder ver cómo entra la neblina a la sala de su casa. Necesita del ritual diario del café; hay cierto enigma en el fondo de la taza que aún no logra descubrir. Le disgustan los niños pero siente fascinación por las personas sin cabeza, los funambulistas y los pianos antiguos. A veces, cuando no tiene sueño, conversa con algunas fotografías. Issey Satori es un autómata que ejecuta una melodía de piano de juguete repetidamente si le das cuerda. También es un juguete de madera, articulable y roto: le falta un brazo, y también su corazón.

3. ¿Tenían algún temor que el trabajo en pareja pudiera ocasionar conflictos en su relación? Llevar a cabo el proyecto significó explotar una serie de coincidencias, muchas de ellas afectivas. Como en todo proyecto, sí hubo discusiones y conversaciones pero relativas al trabajo. Creo que eso justamente es lo más rico del proceso, ver cómo algo que no tiene cuerpo, se va armando y al final se convierte en una extensión de nosotros mismos. Lo cotidiano queda relegado. El hecho de crear algo juntos no significa que durante todo el proceso hayamos estado uno al lado del otro. Cada uno tiene su propia manera de crear algo y eso lo respetamos. Para crear una melodía o para escribir la letra de una canción siempre hay un primer instante en el que se necesita de la soledad para llevarlo a cabo. La segunda parte del proceso es juntarnos, compartir el material y ver como funciona. Hay un factor sorpresa también en ello y que nos gusta mucho.

4. Ángela, ¿habías participado en algún proyecto musical antes de Polaroyd*? No realmente. Quizás de una manera individual y privada. En mi cabeza, cuando escuchaba una canción que me gustaba, me imaginaba como la cantante. Hubo dos ocasiones en las que pude entrar al Teatro Municipal antes de que se incendiaria, en realidad mucho tiempo antes. Primero como una pequeña bailarina de ballet, ésa fue la primera vez que pise el escenario. Más tarde lo haría sola, mientras mi padre trabajaba en la creación de una estenografía para una ópera. Recuerdo haberme dirigido al escenario abandonado, ligeramente iluminado por una luz que se filtraba por el techo, escuchando a lo lejos las voces de los sopranos durante sus ensayos en los camerines. Eso fue mágico, creo que quise ser cantante de ópera durante mucho tiempo pero no lo hice.

5. ¿El sonido de Polaroyd* es más “limpio” en comparación con tus proyectos anteriores? ¿Por qué optaste por esta opción? Lunik y The Electric Butterflies fueron improvisaciones, grabaciones en directo, documentos de una inmediatez que era interesante dejar así, como tales, uno más “sucio” que el otro; dinámicas distintas además, épocas diferentes, etc. Creo que la música siempre está afectada por momentos. En Polaroyd* también hay improvisación y experimentación, como en todo proceso, pero la dinámica, los intereses y los momentos son completamente otros. Las coincidencias que poseemos nos llevan a contar pequeñas historias en nuestras canciones: las componemos y las ensayamos en casa durante meses, y cuando están listas vamos a un estudio y las grabamos. Creo que al final siguen teniendo ese espíritu y esa calidez de las grabaciones lo-fi, hechas en casa, y no queremos que el estudio mate eso.

6. En un FO! pasado describías tu música como una improvisación artesanal, minimalista y primitiva, mezcla de ruido y melodía. ¿Consideras que Polaroyd* sigue cumpliendo esta premisa? Un amigo nuestro se refirió a nuestra música como “minitrónica”, y tal vez tenga razón. Minimalista y miniaturista quizás, pero en Polaroyd* hay letras, melodías, canciones, y sí, mucho menos ruido y más ganas de jugar.

7. ¿Por qué se optó por la brevedad en la duración de las canciones del dúo? ¿Se dio a propósito o se fue dando durante el proceso? La brevedad de nuestras canciones se basa en 2 motivos: Primero, fue por una cuestión técnica. Nosotros no contábamos con instrumentos, sólo un par de teclados, un delay y algunos objetos. Decidimos sacarle el máximo provecho a nuestras limitaciones siendo conscientes de que no somos músicos. La segunda razón es nuestro fetichismo por las miniaturas, coincidencia que prontamente descubrimos.

8. ¿Cómo se les ocurrió la idea de las presentaciones de sus discos? Diseñar los discos de Polaroyd* es parte de la idea de juego. Nos gustan los artefactos que invitan a la persona a descubrir el misterio que todo objeto esconde, como esas viejas ediciones de cuentos infantiles pop – up donde las figuras recortadas saltan al abrir las páginas. Crépuscule, por ejemplo, es una mezcla de miniatura, cajita de música y origami. Traum es un homenaje al formato de 7’’ y algunas cosas más. Además, la idea de miniatura abarca tanto al objeto (mini-CD), su diseño, la estructura de las piezas musicales y las historias que éstas cuentan.

9. ¿Consideran a los grupos de 4AD como influencia? No. Nos gustan un par de bandas de ese sello, pero no pesan más que otras influencias que van desde cosas tan simples como el clima, libros, ilustraciones, arte, films, música, etc. pero que al final se mezclan con nuestras propias obsesiones e historias personales.

10. ¿Es cierto que Crépuscule y Traum son parte de una trilogía? Si, cada uno con un concepto y un diseño distintos, pero los tres unidos bajo la idea de la miniatura. Al final, son nuestras obsesiones de siempre las que vuelven: infancia, sueños, fantasmas, juguetes, autómatas, etc. Sabemos que haremos nuestro tercer disco este año, y que con él cerraremos un ciclo, pero no sabemos qué vendrá después.

Contacto para instantáneas:
polaroydsatori@hotmail.com

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TONKA

A fines del año pasado y sin muchos conciertos previos, apareció en escena TONKA, quien desde un primer momento se presento con disco debut bajo el brazo: “Beta”, y una propuesta musical mezcla de bases electrónicas, espíritu pop y fuerza rockera. FO! converso con tres de sus integrantes y nos dieron la siguiente nota.

interpelan: Cornolio y Jonas García // Colaboración: Oliver Glave // Debutando en la Transcripción: Jonas García

¿Cómo se inició Tonka?
Juan Carlos Moya
: Hace dos años más o menos. Braulio (Braulio Miki, bajista de la banda y ausente de la conversa por motivos laborales) y yo salimos de otros grupos. Un día nos juntamos para hacer música sin ningún parámetro establecido. Algo que tenga apertura para hacer lo que quieras. Braulio tenía la idea de contar con una chica en la voz, probamos a Solange y quedo en la primera prueba. Empezamos con un baterista, Eduardo Merino que era mi pata de la universidad pero se quito a EEUU y ahora es todo un Sr. Padre. Entonces empezamos a componer y salieron canciones. En ese momento Braulio se dio cuenta de la necesidad de una guitarra más, estando él encargado del bajo. A eso se sumo la partida de Eduardo. Por estas cosas, optamos por las secuencias ya que permite tener más sonidos y variedades en cuestiones de percusión además de que entro el chino (Daniel Higashionna) en el bajo.

Se ha lanzado su disco sin muchos conciertos previos de presentación de la banda. ¿Cómo se animaron a dar un paso así en un mercado tan riesgoso como el peruano?
Daniel Higashionna
: Cuando entre al grupo, este tenía una onda experimental y hacíamos jammin´s de 10 minutos que posteriormente se volvieron canciones poco a poco. Al tener un paquete de canciones decidimos hacer un disco pero sin tener en claro si íbamos a tocar en vivo o no porque nuestra idea era juntarse para hacer música, entiendes. Y al hacer el disco, empezamos después a pensar en las presentaciones. Siempre la idea fue el disco antes del grupo presentarse en la escena.

¿Cómo describirían su propuesta ya que no hay un género específico en la música que hacen? En su Nota de Prensa hecha por Morrison Producciones, empresa dedicada a la promoción de su disco, los señalan como rock melódico, otros como pop electrónico.
JCM: Rock. Tiene varias cosas de eso. Un rock-pop electrónico. Lo siento como rock con elementos pop.
DH: Nuestra idea no era meternos a un género sino realizar una cuestión que sea personal además que nos suene nueva. El producto final no es pop porque no lo vemos tan digerible, ni tampoco rock porque no tiene tanta fuerza en guitarras ni tampoco electrónico por el hecho de las guitarras y voz. Es más una mezcla de sonidos que armamos.

¿Cuáles son las influencias en este disco? Unos señalan influencia de grupos trip-hop como Portishead o Wax Poetic.
JCM: Varias influencias.
Solange Jacobs: Lo paja en el hecho de ser difícil de clasificar es producto de las diferentes referencias que tenemos. Danny y Moya con su Heavy Metal. Yo escucho trip-hop bastante. Cada uno con sus influencias distintas que a la hora de componer el aporte de cada uno sea bien parejo.

¿Solange, una cantante que influya en ti?
SJ: Me gustan un montón de cantantes pero no he sentido una influencia grande pero algo puede ser Tori Amod, no en su sonido pero si como transmite. Otra sería Jeannette.

¿Cómo te involucraste en Tonka? ¿Tenías una experiencia musical anterior?
SJ: No tenía experiencia musical antes pero me gusta la música muchísimo y cuando Braulio me ofreció involucrarme acepte sin muchos problemas.

Sacaron en paquete un disco y un video a la vez: “M i(n a) shell” ¿Por qué lo eligieron como primer single? ¿Representa al disco o la propuesta en sí?
JCM: Tiene varios elementos que dicen lo que es Tonga por el elemento pop electrónico al comienzo, las guitarras fuertes al final y esa parte netamente electrónica al medio. Varias partes que juntan lo que es el disco, por eso lo escogimos.
SJ: Cada canción pensamos que es distinta una de otra. En este caso, teníamos que hacer un video y esta canción nos gusta mucho además de considerarla la más digerible.

En sus presentaciones en vivo tienen el apoyo de un VJ en el campo visual ¿Cómo salio la idea?
DH: Cuando pensamos en la propuesta en vivo, como somos arquitectos pensamos en ciertas ideas visuales en algunas canciones para los conciertos y vimos la necesidad de contar con un apoyo para eso en vivo aparte de nosotros, un VJ. Esto era más una necesidad para nosotros que como complemento de un show. Teníamos la idea de hacer proyecciones y sabíamos de VJ Malawi, nos hicimos patas y le gusto la propuesta del grupo. Nos planteó cosas nuevas en lo visual y se convirtió en un brazo más del grupo.
SJ: Es parte del grupo, la verdad.
JCM: Tiene hartas ideas que nos propone y que las trabajamos entre todos para que se vea bien en vivo. Con eso no solo escuchas la música del grupo, manyas, tienes una cosa visual.
DH: Nos ayuda que todo sea mas completo en la performance.

Danny y Juan Carlos. ¿Ustedes proviene de una escena metal (Reset, Santuario)? ¿Cómo así se animaron por el cambio de sonido?
JCM: Yo siempre he escuchado desde Sepultura a Chopin. Me gusta escuchar de todo y reflejarlo cuando toco la guitarra porque me parece algo mas rico musicalmente. Un poco el problema de los grupos de metal, que es el problema que paso con Reset o Santuario, donde si sacábamos una canción suave no podíamos porque éramos Reset, entiendes. Eso te crea un parámetro.

¿Te sentías presionado por la actitud?
JCM: No, eso no. Era más una cuestión de libertad musical.
DH: Cuando estuve en Reset, Juan Carlos me paso un demo que hizo con cosas netamente electrónicas hechas en una PC. Ahí que eso era algo distinto para esa escena. En mi caso, no me siento alejado. Hay cosas que extraño de la escena como son los pogos y el “feeling” de los conciertos, pero igual Tonga es música y no siento una desconexión por ello.

Tonka y Luna han sido dos discos que salieron el mismo año marcados por la presencia femenina pero siendo propuestas diferentes. ¿Cómo ven la reacción frente a eso por parte del público o los medios?
SJ: Siento que en Lima se ve como una novedad.
DH: Es una cuestión de casualidad que los dos discos salgan en ese momento. Existenc coincidencias en cuanto al uso del ingles y la voz femenino, es cierto. A mi me gusta el disco de Luna, me parece bravazo pero no siento una mayor conexión de nosotros con ella.

Sobre como cierta prensa los ha visto. La imagen mediática del grupo se ha centrado en la imagen de Solange. ¿Creen que esto afecta a la propuesta musical del grupo porque no llama la atención por la música que hacen?
SJ: Creo que no para los que realmente escuchan música. De hecho, el look de la banda es distinto y la música de por si nos pareció sensual y vimos la posibilidad de jugar con eso. Es obvio que un grupo con voz de chica van a poner primero a la chica.
DH: En cuestión de medios, entiendo que de la propuesta del grupo buscan elegir la imagen de Solange pero eso no es algo que busquemos hacerlo a propósito.

Esto lo decía porque, por ejemplo, en “El Comercio” en las notas de primera página en Luces como en la foto de los mejores del año 2005 sale Solange por un lado y ustedes por el otro.
DH: Eso es más una idea de ellos hacia nosotros.
SJ: No fue intencional, cada uno escogió su look y siempre el cantante es la cara visible del grupo, y cuando es una chica, privilegian eso.
JCM: Generalmente pasa eso porque no tienes muchos grupos con chicas acá. Es mas, es visto como una cosa “Que Loco”, manyas. No estamos acostumbrados a ver grupos de chicas o de una cantante comunicándose y dando la cara adelante.

Una de las cosas que más se le critica a la música de la banda es que tienen una propuesta elaborada y bien producida pero muy fría. ¿Alguna respuesta a ello?
DH: Somos una banda que se junto para buscar un sonido y sensaciones, mas que todo imágenes. Las letras no hablan de amor ni de política y las canciones no nacen a partir de un tema.
SJ: No es una cosa tan directa, ni cercana como una cosa punk.
DH: Siento que en Lima estamos acostumbrados a la movida “subte”, a la movida en general a eso, a grupos que tienen temas sobre “el grupo mismo” pensando que ello sea algo emotivo. En nuestro caso queremos producir música personal sin ser conceptuales pero si experimentales.
JCM: Es una apreciación normal. Mas va la vaina en algo personal y el clima íntimo que crean las canciones en cada uno.
DH: No tenemos una emotividad indie o un sonido amateur sino buscamos un sonido para nosotros que puede caer como algo frío.

El uso del lenguaje. Muchos grupos cantan en ingles sus letras pero en su caso veo que hay una mezcla de español-ingles-alemán. ¿Cómo se les ocurrió ese recurso?
SJ: Cuando fuimos a grabar teníamos la estructura del tema, la melodía pero no las letras. En un inicio pensamos en no usar un idioma sino en inventar uno. Una canción como “Shanana”, la letra la hice con Braulio sacando lo que mejor sonara en decir en ingles sin importar el significado.

¿La voz en función de la melodía entonces?
JCM: Es un instrumento más de la banda.
DH: Dentro de los jammin´s de 4 horas no había una regla clara sino usamos la imaginación para ver que nos salía. El disco es un producto de ese experimento el cual no sabíamos donde nos iba a llevar.

Tonka dentro de la escena de rock actual ¿Con cuales grupos se identificaría? ¿Irían a un “Desgraciadazo” o un “Rock en el Parque 9,000”?
SJ: Nos han llamado para cosas distintas como un concierto con DJ´s donde íbamos a ser el único grupo. También hemos tocado con Dolores Delirio, Frágil, Mar de Copas y Roxx!!!. Como no se identifica a la banda con una sola cosa podemos acoplarnos en el rock, pop o electrónica.
JCM: Siento que aquí hay tres cosas. El punk metal de conos, la movida electrónica que me parece algo impersonal porque es un brother que viene y mezcla, y la movida pop. Además de cositas muy caletas/under. Siento que hay huecos que se están llenando como es la movida de Interners que me parece bien bacán y de otros actos que permiten la oportunidad de escoger.
DH: Siento que hay una movida fuerte actualmente en el rock peruano.

Con todo este trabajo bien cuidado del video y el disco. ¿Hay miras de sacar el disco en otros lados? ¿Cuáles son sus planes a futuro?
DH: De hecho que si y en eso es Morrison quien se encarga de eso. Hay planes de hacer un concierto más visual donde mezclemos música y video.
JCM: Esto nos permite sacar toda la creatividad guardada en nuestra chamba de arquitectos.
DH: Yo soy diseñador publicitario y considero que la banda me permite soltar mi creatividad como es en el caso de la portada del disco que es una maqueta mía de una casa.
JCM: Además de hacer un nuevo video posiblemente.

La pregunta del millón: ¿Qué significa Tonka?
SJ: Son una camiones de juguetes hechos por la marca Hasbro.

 

 

1 comentario

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